Khi những nhà thiết kế tìm nguồn cảm hứng trong các nghệ sĩ, họ đã biến sàn diễn thành một bộ sưu tập nghệ thuật, nơi mà màu sắc của Yves Klein cùng với cubism của Picasso cùng tồn tại. Khi những nhà thiết kế tìm nguồn cảm hứng trong các nghệ sĩ, họ đã biến nghệ thuật trở thành nghệ thuật. Và tủ quần áo của chúng ta không còn giống như trước đây nữa.
Frida Kahlo
Từ sự phong phú của màu sắc cho đến ý tưởng về quần áo như những thông điệp, từ tinh thần nữ quyền cho đến tâm hồn cách mạng, từ di sản tự hào đến hình ảnh chính xác, không thể phủ nhận tầm quan trọng của Frida Kahlo đối với văn hóa pop – và đương nhiên là đối với thời trang, nơi phong cách và hình ảnh của nghệ sĩ người Mexico vẫn tiếp tục được diễn giải và tái diễn giải. Như Ellie Violet Bramley đã viết trong bài viết “Frida Kahlo: người phụ nữ nữ quyền, nữ hoàng Selfie, biểu tượng queer và nguồn cảm hứng thời trang năm 2017”, được đăng trên tờ The Guardian trong cùng năm đó, “trong thời trang cao cấp, ảnh hưởng của Kahlo có thể cảm nhận được trong sự cầu kỳ của cái đẹp trong cái mà Alessandro Michele thiết kế cho Gucci. Đối với mùa thu / đông 2017, điều đó có nghĩa là hoa văn và nơ hơn, ren và va chạm, mọi thứ giữ với sự cầu kỳ của Kahlo; những chiếc nhẫn, hoa và thêu. Ảnh hưởng của cô cũng xuất hiện trong những trái tim đỏ bừng lấp lánh, ren và họa tiết về cây cảnh tại Dolce & Gabbana và màu hồng nóng trên sàn diễn từ Balenciaga đến Burberry. Áo vest nam tính, hợp thời trang trong mùa này, của Céline và Isabel Marant nhắc nhở về bức chân dung gia đình năm 1926, trong đó Kahlo mặc bộ vest của cha mình.”
Một trong những ví dụ ấn tượng nhất trong số này xảy ra cách đây vài năm, cụ thể là trong show Xuân / Hè 1998 của Jean Paul Gaultier. Câu chuyện tiếp diễn hơn hoặc ít hơn như sau: sau khi được giới thiệu với tác phẩm của nghệ sĩ Mexico thông qua Madonna và cảm nhận linh hồn của cô trong ngôi nhà của ca sĩ ở Mexico City, nhà thiết kế quyết định biến Kahlo thành nguồn cảm hứng và tôn vinh cô bằng một bộ sưu tập gồm 80 trang phục. Kết quả không chỉ là một lá thư tình yêu đến hình ảnh không thể nhầm lẫn của Kahlo, đầy những tham chiếu như bộ lông mày của cô và tình yêu với hoa, váy dài, màu sắc nổi bật và trang sức, mà còn đến các tác phẩm nổi tiếng của cô – trong một bức tranh rõ ràng tượng trưng của bức tranh “The Broken Column” của cô vào năm 1944, bộ sưu tập có bốn mảnh áo sọc đen được cài qua ngực. “Vẻ đẹp, sức mạnh và nỗi đau hiện ra từ tác phẩm của cô ấy đã chạm đến tôi sâu sắc”, Gaultier nói với Vogue, được trích dẫn bởi nền tảng Google Arts & Culture. “Frida đại diện cho một người không sợ hãi và một người vĩnh viễn. Tôi luôn yêu sự khác biệt và Frida không sợ khác biệt.”
Pablo Picasso
Có một số yếu tố thú vị về Pablo Picasso có thể truyền cảm hứng cho một số bộ sưu tập sẵn sàng để mặc – những điều như 23 tên của ông, sự trùng hợp tuyệt vời của từ đầu tiên của ông, “bút chì” hoặc sự thành công không hề mỹ mãn của mình như một học sinh. Nhưng đối với Jeremy Scott, câu chuyện về việc Picasso bị buộc tội ăn cắp bức họa Mona Lisa là điều khiến nhà thiết kế kêu gọi “công kích nghệ thuật” cho show Xuân / Hè 2020 của Moschino. “Đó là điều mà Picasso mang lại”, Scott nói trong một cuộc phỏng vấn với Vogue. “Khi bạn nghĩ rằng bạn đã biết mọi thứ, ông ta sẽ khiến bạn ngạc nhiên.” Việc tái hiện một số tác phẩm nổi bật nhất của Picasso với phong cách Moschino lòe loẹt cũng là một sự ngạc nhiên – hãy tưởng tượng về những biểu tượng hình ảnh về đấu bò đã trở thành áo khoác và quần soóc hợp thời trang, những cây đàn biến thành đầm và những bức tranh như “Les Demoiselles d’Avignon”, “Le Marin” hoặc “Femme au beret et a la robe quadrille” đã làm nguồn cảm hứng cho một số trang phục có thể, rất đúng nghĩa đen, xuất hiện ở bất kỳ bảo tàng nào.
Andy Warhol
Khó có thể tưởng tượng được ngành công nghiệp thời trang – và thế giới nghệ thuật – mà không có thiên tài sáng tạo của Andy Warhol, người đã làm việc như một họa sĩ minh họa cho Harper’s Bazaar (sự thật thú vị: người biên tập khi ấy Diana Vreeland gọi nghệ sĩ bằng biệt danh Andy Paperbag) trước khi tạo ra những tác phẩm nghệ thuật nổi tiếng của mình với hình ảnh lon súp Campbell’s và trở thành biểu tượng văn hóa pop thực sự. Mặc dù Warhol luôn duy trì một mối liên hệ mạnh mẽ với thời trang, những năm 80 là thời điểm mà nghệ sĩ thực sự ảnh hưởng đến các sàn diễn thời trang, đầu tiên với show Xuân / Hè 1984 của Jean-Charles de Castelbajac, nơi Inès de La Fressange mặc một chiếc váy có hình dạng giống như một lon súp. Kể từ đó, Warhol trở thành một nguồn tham khảo liên tục cho một số nhà thiết kế – Miuccia Prada lấy cảm hứng từ hội hoa “Flowers” của Warhol cho show Xuân / Hè 2013 của Prada. Trước khi hợp tác với Tổ chức Nghệ thuật Hình ảnh Andy Warhol và in sắc nét một loạt hình ảnh biểu tượng của vị danh họa Pop Art cho bộ sưu tập Xuân / Hè 2018 của Calvin Klein 205W39NYC, Raf Simons đã sử dụng một số bản vẽ giày do Warhol thực hiện vào những năm 50 cho show Thu / Đông 2013 của Dior; Gianni Versace biến sự ngưỡng mộ của mình đối với Andy Warhol thành bộ sưu tập Xuân / Hè 1991 của Versace với bộ váy in hình của Marilyn Monroe và James Dean, và sau đó được tái diễn giải bởi Donatella Versace trong bộ sưu tập Xuân / Hè 2018 của hãng; và Jeremy Scott liên tục bị ảnh hưởng bởi Andy Warhol và sự hấp dẫn của ông đối với tiêu dùng, cả trong thương hiệu của ông và Moschino của Ý.
Piet Mondrian
Màu sắc chính. Giá trị chính. Hướng chính. Một số tác phẩm nổi tiếng nhất của họa sĩ Hà Lan và người tiên phong của nghệ thuật trừu tượng được viết (hay nói chính xác hơn, được vẽ) với chỉ ba yếu tố duy nhất. Vào năm 1965, các đường ngang và dọc của Mondrian, hình dạng vẽ bằng màu đỏ, xanh và vàng, và việc sử dụng đen và trắng như những đường nối các chấm, đã truyền cảm hứng cho Yves Saint Laurent tạo ra những gì được biết đến là “Bộ sưu tập Mondrian”. Mặc dù dự án thời trang cao cấp này gồm 80 trang phục, chỉ có sáu trong số đó liên quan đến công việc của Piet Mondrian, và bên cạnh việc rằng nghệ sĩ Hà Lan là nguồn cảm hứng cuối cùng cho Yves Saint Laurent – vào thời điểm đó, nhà thiết kế thú nhận ý tưởng chỉ đến ông khi mở một quyển sách về Mondrian được tặng ông bởi mẹ vào dịp Giáng sinh – những chiếc váy hình học và màu sắc được tạo ra bởi nhà couturier đã trở thành một trong những biểu tượng phong cách nổi tiếng (và được sao chép) nhất từ thương hiệu Pháp. Bộ sưu tập này cũng đánh dấu sự bắt đầu của một cuộc đối thoại giữa thời trang và nghệ thuật, cuộc đối thoại đó sẽ định nghĩa phần đáng kể của sự nghiệp của Saint Laurent và những trang phục được tạo ra để tưởng nhớ một số nghệ sĩ yêu thích của ông – ngoài Mondrian, còn có những cái tên như Andy Warhol, Henri Matisse, Vincent Van Gogh, Pablo Picasso và Georges Basque.
Salvador Dalí
Không ai thực sự biết họ gặp nhau như thế nào, nhưng ai cũng biết những gì đã xảy ra khi những con đường của Salvador Dalí, họa sĩ siêu thực, gặp nhà thiết kế xuất sắc Elsa Schiaparelli, lần đầu tiên, vào đầu những năm 30, ở một nơi nào đó ở Paris. “Về mặt nghệ thuật, họ có sự liều lĩnh thực sự”, Hank Hine đã chỉ ra trong một bài viết được đăng trên Artsy. “Họ chia sẻ ý thức thực sự làm những điều đáng kinh ngạc sẽ gây choáng và kinh ngạc.” Cùng nhau, Dalí và Schiaparelli đã tạo nên nền tảng cho sự hợp tác giữa nghệ sĩ và nhà thiết kế, và công việc chung của họ là một bằng chứng đặc biệt về sự tôn trọng và ngưỡng mộ lẫn nhau – trong khi Dalí viết rằng nửa sau của những năm 30. được định nghĩa bởi Schiaparelli và cửa hàng của cô tại Place Vendôme, nhà thiết kế nhìn vào họa sĩ siêu thực như một trong những nguồn cảm hứng lớn nhất của mình. Ví dụ, chiếc mũ trang trí đen và hồng nổi tiếng do Schiaparelli tạo ra đã được tạo ra từ một bức ảnh của Dalí mặc một chiếc giày trên đầu; sự mỉa mai mà cả hai tầm nhìn sáng tạo chia sẻ đã làm cho chiếc “Lobster Dress” nổi tiếng năm 1937 trở nên khả thi – một cột mốc mà, sau 80 năm, đã được Bertrand Guyon tái diễn giải cho bộ sưu tập Haute Couture Xuân / Hè 2017 của Schiaparelli; và từ một bức vẽ của họa sĩ, có một người phụ nữ mặc chiếc váy trong suốt cho thấy xương, xuất hiện chiếc “Skeleton Dress” năm 1938. Và chính như thế, nghệ thuật và thời trang không còn giống nhau như trước kia.
Niki de Saint Phalle
“Tôi không ngại mặc những chiếc ủng cao hoặc hoa trên tóc nếu tôi thích. Tôi nghĩ rằng quần áo nên là một tuyên bố. Tôi biết của tôi là thế. Đó là cảm xúc của tôi.” Câu này thuộc về Niki de Saint Phalle, người mẫu Pháp-Mỹ, người dành cuộc đời mình cho nghệ thuật và mang đến thế giới một loạt tác phẩm điêu khắc phong cách phóng khoáng và đầy màu sắc – trong đó có những “Nanas” nổi tiếng, các tác phẩm nghệ thuật thể hiện các vai trò của phụ nữ trong xã hội – và nhiều bức tranh trừu tượng được tạo ra nhờ một phương pháp khá kỳ lạ – là một hành động phản kháng chống lại chế độ tuân thủ cha truyền con nối và sự kín kẽ của xã hội, nghệ sĩ đã đặt các túi chứa sơn lên bức vẽ và bắn chúng. Được biết đến, không có gì ngạc nhiên khi Maria Grazia Chiuri nhìn vào cuộc đời, công việc và phong cách của Niki de Saint Phalle cho bộ sưu tập Dior Xuân / Hè 2018 – thực tế, Niki nuôi dưỡng một tình bạn mạnh mẽ với Giám đốc sáng tạo Marc Bohan một thời kỳ và là một người hâm mộ và khách hàng thực sự của thương hiệu. Kết quả là một bộ sưu tập tràn đầy các tham khảo của de Saint Phalle, từ “Nanas” cho đến những trái tim đa sắc, rồng, cây Tình Yêu và Tarot Garden, tọa lạc ở Toscani.
Bauhaus
“Là một trường tư duy, Bauhaus tóm lược cách các nhà thiết kế nghĩ về thiết kế trong thế giới ngày nay. Tôi nghĩ rằng thời trang, như một học vị thiết kế ứng dụng, luôn phải tìm thấy sự cân bằng giữa sự sáng tạo và thương mại; tìm hiểu về tính chức năng của thiết kế, trong khi giao tiếp điều gì đó cho thời đại của chúng ta. Điều đó cũng có ý nghĩa ngày hôm nay như nó đã từng là.” Những lời này thuộc về nhà thiết kế Mary Katrantzou và đã được trích từ một bài viết của Vogue, khám phá cách 100 năm của Bauhaus đã ảnh hưởng đến thời trang – và không có nghi ngờ rằng ngôi trường nổi tiếng với các hình dạng hình học, đường thẳng mạnh và sự bùng nổ màu sắc đã có một sự ảnh hưởng to lớn đối với nhiều nhà thiết kế. Từ André Courrèges đến Mary Quant và Jil Sander, trong đó phong cách của nhà thiết kế nói với Suzy Menkes trong một cuộc phỏng vấn năm 2017 là bắt nguồn từ sự hiện thân của phong trào Bauhaus, điều này thường được công nghiệp thời trang nhanh nhẹn diễn giải – bao gồm cả Mary Katrantzou, trước hết trong bộ sưu tập Mùa xuân / hè 2011 và sau đó trong bộ sưu tập Mùa thu / Đông 2018, nơi cô đã kết hợp các poster Bauhaus trong một số trang phục. “Trong bộ sưu tập Thu / Đông 2018 của tôi, Bauhaus đại diện cho sự tinh khiết của hình thức, tính chất thực dụng của thiết kế và cách nó dịch chuyển trực tiếp thành thời trang. Đồ họa, chúng ta đã nhìn rất nhiều các poster Bauhaus, sự sử dụng của hình học, điều chúng ta dịch sang làm đồ len.”
Robert Mapplethorpe
Tôi muốn tiếp cận nó như một buổi triển lãm tại bảo tàng hoặc một buổi triển lãm tại một phòng triển lãm. Cái này đã được thực hiện nhiều lần khi nói đến tác phẩm của Mapplethorpe. Cindy Sherman đã làm điều đó, David Hockney đã làm điều đó. Nhưng luôn ở một phòng triển lãm. Tôi là một nhà thiết kế thời trang. Tôi nghĩ thách thức lớn nhất sẽ là thực hiện nó trong môi trường của riêng tôi.” Đó là những gì Raf Simons nói với Vogue Runway khi ông hợp tác với Quỹ Robert Mapplethorpe cho bộ sưu tập Xuân / Hè 2017 của thương hiệu cùng tên. Khi được mời đi khám phá bộ sưu tập ảnh của nhiếp ảnh gia và tưởng nhớ công việc và di sản của ông, nhà thiết kế người Bỉ đã xây dựng một bộ sưu tập vượt ra ngoài hơn năm mươi tác phẩm được in với các hình ảnh của Mapplethorpe, từ những bông hoa cho đến những bức chân dung, với các tham khảo khác nhau như màu sắc, chất liệu và một đội ngũ người mẫu, như Simons đã giải thích là những biểu tượng của công việc của Mapplethorpe, chứ không chỉ là những người tương tự đơn giản.
Ricard Prince
Trong 16 năm làm giám đốc sáng tạo của Louis Vuitton, Marc Jacobs không lãng phí bất kỳ cơ hội nào để tưởng nhớ cả nghệ thuật và nghệ sĩ. Năm 2001, nhà thiết kế hợp tác với Stephen Sprouse tạo nên phiên bản màu sắc và sống động của hình ảnh linh mục thần thánh của nhà Pháp; hai năm sau, ông thu hút Takashi Murakami để tạo ra điều trở thành biểu tượng của những năm 2000; và sau đó, vào năm 2012, Yayoi Kusama đã tiêm những chấm polka nổi tiếng của mình vào một loạt túi xách, quần áo và phụ kiện của Louis Vuitton. Nhưng một trong những cuộc gặp gỡ nổi bật nhất giữa Louis Vuitton (qua Marc Jacobs) và nghệ thuật đã diễn ra trong show Xuân / Hè 2008. Giật mắt với tác phẩm của Richard Prince, Jacobs trình diễn một số chiếc túi xách với họa tiết monogram đã xuất hiện và dấu ấn loạt tác phẩm “Jokes” của nghệ sĩ, cũng như tham chiếu đến bức tranh “Nurse” nổi tiếng (cũng được thấy trong album “Sonic Nurse” của Sonic Youth) bằng cách chọn người mẫu Naomi Campbell, Stephanie Seymour, Eva Herzigova, Nadja Auermann mặc áo y tá để mở màn show.
Yves Klein
“Một ngày, tôi nhận ra rằng đôi tay của tôi, công cụ bằng đó tôi tạo ra màu sắc, không còn đủ. Tôi cần phải vẽ những tấm vải một màu với chính những người mẫu đó.” Đúng như vậy, vào năm 1960, với loạt tác phẩm “Anthropometries” của mình, được đặt tên theo nghiên cứu về số đo của cơ thể người, nghệ sĩ đã biến người mẫu của mình thành “bút chì sống” và chỉ mặc màu xanh Klein của ông, tạo ra một loạt các tác phẩm nghệ thuật đơn sắc – đối với Klein, vẽ với một màu sắc duy nhất tương đương với một cửa sổ mở ra sự tự do, khả năng chìm đắm vào sự tồn tại bất tận của màu sắc. Những tác phẩm nghệ thuật này đã truyền cảm hứng cho bộ sưu tập Xuân / Hè 2017 của Phoebe Philo cho Céline, và chỉ như nghệ sĩ đã làm trong thời đại của mình, nhà thiết kế và giám đốc sáng tạo lúc đó đã sử dụng khoảng trống của hai chiếc váy màu trắng để in các hình dáng nữ màu xanh Klein tạo ra vào những năm 60.
Jackson Pollock
Một trong những tham khảo đầu tiên đến nghệ thuật của Pollock trong thế giới thời trang diễn ra vào năm 1951, trong số báo Vogue số tháng 3, trong đó Cecil Beaton chụp một số trang phục nổi bật của mùa đằng trước các bức tranh của nghệ sĩ Mỹ. Nhiều thương hiệu khác đã theo sau, trong đó có Dior Homme’s Xuân / Hè 2017, Dries Van Noten’s Xuân / Hè 2011 hoặc Vivienne Westwood’s Xuân / Hè 2014, mỗi người nhìn vào Pollock với một mắt nhìn khác nhau, cho dù để tạo ra blazer, áo sơ mi hoặc đơn giản là chất sơn bắn trên khuôn mặt người mẫu. Tuy bất kỳ cái nào cũng tài ba nhưng Alexander McQueen là người đã tích cực kết hợp công việc của Pollock trên sàn diễn. Cho bộ sưu tập Xuân / Hè 1999 của ông, và trong một khoảnh khắc đọ sức ấn tượng giữa phụ nữ và máy móc, người mẫu Shalom Harlow đã đứng giữa sân khấu và xoay tròn trên nền tảng trong khi hai cánh cơ khí phun sơn màu đen và xanh lá cây vào chiếc váy trắng trinh trắng của cô – một sự nói dối rõ ràng về kỹ thuật của Jackson Pollock.
Giuseppe Arcimboldo
Vào đâu đó giữa năm 1590 và 1591, người Ý Giuseppe Arcimboldo vẽ bức tranh nổi tiếng “Vertumnus”, trong đó Đế quốc Rudolf II có hình dạng của Vertumnus, vị thần La Mã về sự biến đổi trong Tự nhiên và cuộc sống. Để tượng trưng cho việc will được tràn đầy và hài hòa của Hoàng đế, Arcimboldo – nổi tiếng với những bức chân dung siêu thực của con người được giấu trong các loại rau củ, sách vở, cây cỏ, dụng cụ nhà bếp, trái cây, sinh vật biển, động vật và cội rễ – đã che khuất khuôn mặt của Hoàng đế bằng quả trái và hoa của mùa. 400 năm sau đó, hình ảnh này đã xuất hiện trong bộ sưu tập Xuân / Hè 2018 của Rei Kawakubo cho Comme des Garçons, cùng với các tham khảo nghệ thuật khác như hoa của Abraham Mignon, cảnh quan pixel của E Boy và các bức vẽ anime của Macoto Takahashi.
Truyện tranh
Các tác phẩm minh họa của Brigid Elva, Jöelle Jones, Stellar Leuna, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Rios, Trina Robbins, Fiona Staples và các bảo tàng của Tarpé Mills, người tạo ra phụ nữ siêu anh hùng đầu tiên, Miss Fury. Cho bộ sưu tập Xuân / Hè 2018 của Prada, đó là những người phụ nữ và nghệ sĩ nữ mà Miuccia Prada – một người yêu nghệ thuật đam mê – đưa lên sàn diễn. Bộ sưu tập đó, như luôn luôn, là sự đề cao quyền lực của người phụ nữ và truyện tranh và manga, cùng với các vấn đề nữ quyền quan trọng, là trung tâm không chỉ trong trang phục, mà còn trong cả khung cảnh. “Tôi thấy đó là nguồn cảm hứng khi cầm một cây bút trong tay, bạn có thể kể cuộc sống của bạn,” Miuccia nói với Vogue.
Đó là nguồn cảm hứng đã được thể hiện trong các bộ quần áo gỡ rối, váy baby doll với một chút hơi hướng punk, áo khoác quá khổ và các mảnh ảnh minh họa truyện tranh từ đầu đến chân – và một ý định thay đổi thế giới, đặc biệt cho phụ nữ.
Hoạt họa Tây Ban Nha
Từ bức “La reina María Luisa con tontillo” của Goya đến “Las Meninas” của Velázquez, các màu sắc của El Greco và các hình dạng của Francisco de Zurbarán, có rất nhiều tác phẩm nghệ thuật Tây Ban Nha đã truyền cảm hứng cho Cristóbal Balenciaga và những hình dáng mà nhà thiết kế người Tây Ban Nha đã tạo ra trong suốt sự nghiệp của mình. Như Diana Vreeland từng nhận xét, Balenciaga “đem phong cách Tây Ban Nha vào cuộc sống của tất cả mọi người mặc những thiết kế của ông”. Đối với biên tập viên huyền thoại, nhà thiết kế là “đứa con thật sự của một đất nước mạnh mẽ tràn đầy phong cách, màu sắc sống động và một lịch sử tốt đẹp”, và “nguồn cảm hứng của ông đến từ các lễ hội đấu bò, các nghệ sĩ nhảy Flamenco, những người đánh cá trong đôi ủng và áo blouse rộng, những vinh quang của nhà thờ và sự mát mẻ của những nhà thờ và tu viện. Ông lấy màu sắc, kiểu cắt của họ, sau đó trang trí cho phù hợp với khẩu vị của mình.”
Một đêm tại bảo tàng
Một số nhà thiết kế nhìn vào bức tranh và in nó lên áo khoác. Những người khác nhìn vào bức ảnh và chuyển nó thành áo sơ mi. Những người khác nhìn vào tác phẩm điêu khắc và áp dụng hình dạng của nó vào chiếc váy. Và rồi có bộ sưu tập Couture Thu / Đông 2015 của Viktor & Rolf và có tên là “Nghệ thuật mặc được”. Hơn là một show thời trang, bộ sưu tập đặc biệt này là một tác phẩm biểu diễn thực sự – từng cái nhìn, giấy váy, váy ngủ, váy trắng và áo choàng được sử dụng bởi một số người mẫu, một số như những bức tranh trắng và những người khác như những bức tranh phức tạp hơn, được xung quanh bởi một khung vàng cắt nát, đã được tái sử dụng và treo trên tường bởi Viktor Horsting và Rolf Snoeren như những bức vẽ trong một bảo tàng hoặc phòng triển lãm nghệ thuật. Sau khi hai mươi cảnh đã được trình diễn trong một sự tiến hóa tuyệt vời của quá trình sáng tạo chính nó, từ một không gian trống tới một bông hoa nổi bật, câu hỏi “Thời trang có phải nghệ thuật không?” đã được trả lời bằng một câu trả lời đơn giản “Thời trang có thể là bất cứ điều gì. Nó có thể là thời trang. Và cũng có thể là nghệ thuật.”